Il y a un an, le 25 janvier 2011, la Révolution égyptienne prenait un tournant décisif avec la première occupation de la place Tahrir. Parmi les dizaines de morts de ces premiers jours de soulèvement figurait Ahmed Basiony, jeune musicien et plasticien contemporain égyptien

Ahmed Mohamed Basiony est né au Caire en 1978 .

Ahmed Basiony est diplômé de la Faculté d'art de l'Université de Helwan, en 1999, où il a ensuite travaillé comme professeur assistant dans le département de dessin et de peinture. Après avoir acquis son diplôme de maîtrise en potentiel créatif de l'art sonore numérique, il a réalisé une thèse de doctorat sur l'aspect visuel de programmation Open Source en relation avec les concepts de l'art numérique.

Ses premières peintures de grand format, dans un style expressionniste abstrait, lui ont valu le premier prix de peinture au Salon 2001 de la Jeunesse.

Fin 2001, son travail prend un tournant dans une direction plus expérimentale impliquant les nouveaux médias et les installations multimédias. En 2006, Basiony introduit le premier programme universitaire en art sonore expérimental en Egypte. Ce programme donnait aux étudiants une chance d'acquérir les compétences créatives permettant de percevoir les sons comme une matière première par rapport à l'imagination, ainsi que la méthodologie permettant de fusionner le matériel sonore avec des images virtuelles.

Basiony a ensuite participé à une exposition intitulée Le Corps invisible en Décembre 2009 au Palais Mawlawiyah avec une performance conceptuelle intitulée Système Symétrique, dans lequel il a couvert une grande partie de la scène au sol avec un matériau de caoutchouc mélangé avec des pigments pour simuler la peau humaine. Basiony apparaît sur scène vêtu d'un ensemble bleu, comme ceux des travailleurs des abattoirs. Basiony développe un dialogue surréaliste avec la surface en caoutchouc, pour ne former plus qu'un à la fin. Le travail fait allusion à la nature des relations contradictoires entre deux mondes différents qui veulent secrètement s'unir pour découvrir un langage commun à travers le corps virtuel.

Basiony a produit deux de ses projets artistiques majeurs en utilisant la programmation Open source. Le premier a duré trente jours pendant lesquels il courait sur place dans une pièce en verre placée dans les jardins de l'opéra du Caire. Dans cette installation, Basiony effectuait quotidiennement pendant une heure, vêtu d'un costume en plastique spécialement conçu pour ce projet, un jogging sur place. Sa tenue était munie de capteurs numériques pour calculer la quantité de sueur produite et le nombre de pas réalisés.

Le 28 Janvier 2011, Ahmed Basiony succombait à des blessures par balles infligées par des snipers des forces de police égyptiennes sur la place Tahrir.

Son dernier Tweet : J'ai beaucoup d'espoir si nous continuons comme ça. La police antiémeute m'a frappé. Néanmoins je vais redescendre demain. S'ils veulent la guerre, nous voulons la paix. Je veux juste essayer de regagner un peu de la dignité dans mon pays.

En juin 2011, la Biennale d'art contemporain de Venise, l'une des plus importantes au monde, lui rend hommage en lui consacrant la totalité du pavillon de l'Égypte.

En marge d'une Biennale de Lyon 2011 à la sombre beauté, courageuse et politique, mais pas très gaie, le Spacejunk Art Center, fondé par l’ancien snowboarder professionnel Jérôme Catz, propose une découverte des artistes issus de la contre-culture américaine des années 80. Sur « Le Plateau », à l'intérieur de l'Hôtel de Région de Lyon, le spectateur découvre une dizaine d'artiste venus des quatre coins du monde définis comme Les Enfants Terribles.

Leurs pères se nomment Jean-Michel Basquiat, Keith Harring ou Robert Crumb et ils sont tous des artistes majeurs des mouvements Lowbrow et Pop Surréalisme. Leur travail nous parle du monde d’aujourd’hui sans concession et avec une grande sensibilité. Très coloré, iconoclaste, il faut découvrir ce travail longtemps méprisé.

Le terme lowbrow (littéralement « front bas ») a été construit d'après son contraire, le mot highbrow (intellectuel, littéralement « front élevé »), qui désigne l'expression faciale hautaine que peuvent prendre les amateurs d'art contemporain sous ses formes les plus élitistes. Le Lowbrow se réapproprie les codes issus des médias populaires tels que le comics, la publicité, le graffiti, le dessin animé et tout ce qui n'est pas considéré comme appartenant au monde des « beaux-arts » classiques.

Le Lowbrow Art est souvent humoristique, tantôt joyeux, parfois espiègle et, d'autres fois, sarcastique. La plupart des œuvres Lowbrow sont des peintures, mais elles peuvent également utiliser d'autres supports ou techniques : jouets, art numérique, sculpture1.

En 1979, Robert Williams intitule son premier livre de peintures The Lowbrow Art of Robt. Williams, un nom qu'il employa en réaction au manque d'intérêt suscité par son art auprès des institutions et critiques d'art établis.

Au début des années 1980, les enjeux politiques autour des mythes culturels et de la production de valeurs étaient ardemment discutés. C'est dans cet espace ouvert que le Lowbrow est né. Il y avait un scepticisme croissant du public envers toute forme d'autorité ; le nombre d'activistes et d'artistes qui ne considéraient pas leur travail comme un simple passe-temps, ne cessait d'augmenter. Alors que les artistes rattachés au terme de Lowbrow étaient fréquemment autodidactes, pour la première fois dans l'histoire, les cursus artistiques à travers les États-Unis permettaient à des flots d'individus venus de milieux divers d'obtenir un diplôme. Nombre d'entre eux venaient de familles appartenant aux classes moyennes ou laborieuses, pour lesquelles la notion de culture avec un grand C était un phénomène lointain.

La Culture passait pour un produit de luxe, alors que l'art était plutôt une philosophie, vivante et inventive, marquée par la nécessité, l'instinct de survie et la joie. Le nombre d'artistes et d'ateliers en activité aux Etats-Unis et en Europe avait atteint un point où les systèmes de production, de réception et d'interprétation employés jusqu'à présent, avaient besoin d'être réévalués. Il y avait non seulement une explosion du nombre et de la diversité des artistes, mais également une augmentation tout aussi visible des pratiques dissidentes qui se moquaient des modèles classiques. Les artistes soulevaient en bloc de nouvelles questions : qui produit la culture ? pourquoi ? et pour qui ?

Le Lowbrow en élargissant ses fondements esthétiques se prolonge et s’intègre au début des années 2000 dans le Pop Surréalisme. Si cette nouvelle école conservait dans ses créations l'accessibilité et la dimension démocratique propre à la sensibilité Lowbrow, elle combinait également ces dernières à des thématiques ouvertement fantastiques et oniriques. En possession de compétences techniques proches des grands maîtres d'antan, elle produisait ainsi des œuvres à l'exécution virtuose, mais qui restaient fidèles aux sources d'inspiration initiales du Lowbrow : bandes dessinées, jouets pour enfants, imagerie punk rock et autres formes d'art égalitaires. Le processus d'embellissement, marqué par l'utilisation de la peinture à l'huile et plus globalement par l'utilisation de techniques picturales raffinées nécessitait néanmoins la création d'une nouvelle nomenclature pour caractériser cette tendance émergente. C'est l'artiste Kenny Scharf qui utilisa pour la première fois en 1996 le terme de Pop Surréalisme pour décrire son propre travail. « Le Surréalisme renvoie à la notion de l'inconscient, et je pense que mon travail tourne autour de l'inconscient. Les images que je peins proviennent de mon inconscient, or mon inconscient est rempli d'une imagerie Pop. En d'autres termes, mon inconscient est Pop, et par conséquent, mon art s'apparente à du Pop Surréalisme ».

La plupart des éléments qui composent l'iconographie du Pop Surréalisme sont facilement compréhensibles et accessibles à tout un chacun, et en particulier pour les personnes avides de culture Pop, mais n'ayant pas forcément de connaissances suffisantes en Beaux-Arts ou en Histoire de l'Art, ou ne s'intéressant tout simplement pas à ces disciplines. Il attire les personnes qui pourraient a priori être intimidées par l'art, et les accueille à bras ouverts en incorporant des personnages ou des visages qui leur sont familiers. Les artistes du Pop Surréalisme de formation classique se sont distingués du courant Lowbrow en rendant hommage aux grands peintres des siècles passés, et par ce biais, certains d'entre eux ont pu être accueillis en retour par le monde des Beaux-Arts.

Depuis son intronisation, le Pop Surréalisme a évolué en incorporant de nouveaux moyens d'expression, sortant du cadre de la peinture traditionnelle. Certains artistes ont ainsi exploré de nouvelles pistes en utilisant Adobe Photoshop et des logiciels de modélisation 3D comme Maya non plus comme de simples outils, mais bel et bien comme des médias en tant que tels. Comme toujours avec les nouvelles technologies, les débuts ont été difficiles. L'imagerie produite semblait artificielle, même au regard des standards Pop Surréalistes. Mais avec le temps, une poignée d'artistes exceptionnels a néanmoins émergé, capable d'apprivoiser et de manipuler ces logiciels de manière à produire des visions surréalistes à la fois confondantes et délicieuses. Ray Caesar est sans doute le maître incontesté dans ce domaine.

Les artistes du Pop Surréalisme ont été particulièrement influencés par le cartoon en général, de Disney à Robert Crumb. Nombre d'entre eux ont d'ailleurs créé leur propre bande-dessinée plus ou moins underground, ou ont travaillé dans l'animation. Le cartoon a influencé ces artistes au niveau du style et du graphisme mais leur a donné aussi une certaine vision et conception de la société. L'humour est ainsi très présent avec un détournement récurrent des modèles de la société américaine, des icônes mais aussi des idéaux classiques de la beauté, comme le fait systématiquement Marion Peck. Dans ces peintures, l'ordre des choses est modifié dans un esprit carnavalesque où la figure de l'imbécile devient héroïque, le laid devenant sublime. Les artistes expriment ainsi leur rejet de certaines valeurs et leurs commentaires sur la société. L'aspect subversif et antisocial est très souvent présent dans ces peintures. 

Quelques artistes, la plupart sont visibles à Lyon jusqu"au 31/12/2011:

• Gary Baseman
• Ray Caesar
• Victor Castillo
• Naoto Hattori
• Reg Mombassa
• Odö
• Gary Panter
• Marion Peck
• Mark Ryden
• Kenny Scharf
• Todd Schorr
• Jeff Soto
• Robert Williams

Robert Williams : The Waterhead Who Was Raised in a Box 1992

Marion Peck Fuck You 2008

Reg Mombassa Stations of the Cross Number 3, d'après Grunewald 2010

Robert Williams : Diamond in a Goat's Ass (A Lyrically Poetic Euphemism for Pretension) 2009

Naoto Hattori The Moment of Truth 2011

Mark Ryden : Slayer 1999

Ray Caesar : Final Destination 2005

Venise vaut le voyage, pour la ville, mais aussi pour l'art contemporain, pour la  Biennale de Venise,et ses centaines d'artistes présentés.

Un peu plus difficile d'accès, les deux expositions de la  fondation François Pinault.

Le monde vous appartient, exposition de la fondation  Pinault au Palazzo Grassi. L’exposition, due à la commissaire Caroline Bourgeois, met en perspective les œuvres des artistes de générations différentes, d’origines diverses, confronte des pratiques, des disciplines, des parcours personnels, explore des rapports à l’histoire, au réel et à sa représentation ; « l’exposition s’articule autour des thèmes majeurs de l’histoire présente, depuis la désintégration des symboles, jusqu’aux tentations de replis et d’isolement en passant par l’attrait de la violence ou de la spiritualité dans un monde troublé et globalisé » déclare Caroline Bourgeois.

Cette exposition manifeste propose un nombre exceptionnel de projets spéciaux, commandes, œuvres in situ: celles de Thomas Houseago, Friedrich Kunath, Matthew Day Jackson, Adrian Ghenie, Yang Jiechang, Zeng Fanzhi, Giuseppe Penone, Rudolf Stingel.

Cette édition, qui met en scène une quarantaine d'artistes dans un cadre exceptionnel, est une occasion de montrer la diversité de la collection Pinault. 23 artistes, sur les quelques 40 présentés, sont montrés pour la première fois à Palazzo Grassi ou à Punta della Dogana.

Une des pièces maîtresses est la forêt tout droit sortie de l'apocalypse du Français Loris Gréaud: 36 arbres calcinés en résine baignés dans une semi-obscurité que vient éclairer une lune artificielle. Un paysage à la Tim Burton, inquiétant et fascinant.

Mais la vision proposée par Le monde vous appartient n'est pas noire pour autant, bien au contraire: l'humour pointe et fait mouche à chaque détour, comme dans l'escalier envahi par Joana Vasconcelos et ses tissus en délire.

En parallèle, Punta della Dogana présente l’exposition Éloge du doute,

Cette exposition rassemble pièces historiques et productions nouvelles, dont plusieurs projets spécialement conçus pour le site, autour de l’idée du trouble, de la remise en question des certitudes sur l’identité, sur le rapport à l’espace de l’intime et à l’espace de l’œuvre. Les œuvres présentées sont souvent monumentales, chaque salle, pourtant imposante en comporte rarement plus de 2.

Éloge du Doute propose un parcours thématique sur la force et la fragilité de la condition humaine, s’appuyant sur des œuvres emblématiques des années 1960, et allant jusqu’aux créations les plus contemporaines. L'exposition tend à célébrer le doute dans son aspect le plus dynamique, dans sa force à défier les préjugés, les conventions, et les certitudes. L’idée est d’ouvrir le champ des interrogations possibles pour repousser les limites que chacun s’impose et pour tenter de réinventer le regard qu’on porte sur soi et sur le monde qui nous entoure.

Le cheval de Maurizio Cattelan accueille avec ironie le visiteur.

Cette exposition présente des créations in situ, notamment de Julie Mehretu et de Tatiana Trouvé, et témoigne de la contribution active de certains d’entre eux à la sélection des œuvres.

L’approche minimale du sculpteur Donald Judd, à l’entrée de l’exposition, tend à fondre l’esthétique dans la sensation, tandis que les trophées dévoyés de Maurizio Cattelan et David Hammons, tentent de saisir le sens de cette envie de possession, signe extérieur d’un certain pouvoir.

Roxys d’Edward Kienholz, première installation de l’artiste (1962) et jalon majeur de l’histoire de l’art contemporain, interroge les pulsions inavouées de l’homme. L’artiste jette une lumière crue sur ces réalités à travers la reproduction d’une maison de tolérance et sa brutalité. "Roxy's" est le nom d'un fameux bordel de Las Vegas. Kienholz baptisa "tableau" cet environnement imaginé d'après les tableaux vivants, mis en scène et costumés, qu'il avait vus enfant dans les églises et dans les cours de ferme. La scène du Roxy's se passe en 1943; la date est précisée par le calendrier, les magazines, la mode des vêtements. Chaque "fille" représente un type d'exploitation féminine.

L’ensemble de Sigmar Polke, Axial Age, s’appuie sur des références classiques pour en brouiller la temporalité. En se réappropriant l’exposition historique et iconique de Marcel Duchamp, Sturtevant propose un débat sur la question de l’originalité, de l’aura et du pouvoir (masculin) de l’objet comme oeuvre d’art. La notion d’objet, et de son statut dans l’art, est abordée dans la série des Popeye de Jeff Koons, dans une proposition « pop » d’une vie idéale ou, d’une toute autre façon, dans les œuvres de Subodh Gupta, qui interroge le multiculturalisme et le monde global dans lequel nous vivons.

Les installations de Chen Zhen abordent les notions de tradition, d’exil, de survie. Thomas Schütte, examine, avec ses figures fantomatiques, la complexité des relations entre l’espace privé, subjectif, et l’espace public, politique.

L'île Seguin, à Boulogne-Billancourt, aurait du héberger un musée d'art contemporain financé par François Pinault avec un bâtiment de l'architecte Tadao Andô, proposé dès 1999. François Pinault renonce à son projet en mai 2005  justifiant son choix par la longueur des délais administratifs et des tensions locales pour la réalisation du projet.

Pinault a donc décidé de réaliser son musée au Palazzo Grassi de Venise, dont le projet s'est rapidement mis en place, avec l'aide de la municipalité vénitienne, et l'extension possible dans le bâtiment de la Douane de Venise.Pour ce qui est de l'île Seguin, les travaux commenceraient en 2012 pour une livraison prévue en 2017, soit plus de 11 ans après l'ouverture du palais Grassi de Venise. Quel gachis!

La disparition tragique et récente de Marie-France Pisier a fait ressortir de l'oubli un film de grande qualité, mais absent de la plupart des encyclopédies du cinéma. C'est l' adaptation du roman L’Écume des jours , de Boris Vian publié en 1947, par Charles Belmont en 1968.

Composée en 1946, rédigée aux dos d’imprimés de l’ AFNOR, où il travaillait alors, l’édition originale, dédiée à sa première épouse Michelle, est publiée le 20 mars 1947 aux éditions Gallimard/NRF. Bien que soutenu par Raymond Queneau et Jean-Paul Sartre, qui en publiera des extraits dans le Numéro 13 d’octobre 1946 des Temps modernes, il n’aura aucun succès de son vivant. Les personnages évoluent dans un univers poétique et déroutant, avec pour thèmes centraux l’amour, la maladie, la mort, dans une envoûtante atmosphère de musique de jazz, de climat humide et marécageux, qui rappellent les bayous de Louisiane.

L'adaptation au cinéma de ce roman complétement atypique était une entreprise folle.
Charles Belmont, réalisateur discret et presque inconnu réalise cependant l'exploit de rendre la poésie du livre, à l'aide de grands acteurs, alors débutants. Le film eut peu de succès, en parti éclipsé par les évènements prenant naissance en mars 1968. Même Charles Belmont, le réalisateur, préfère l’ambiance des barricades à celle des salles obscures et ne défend pas son film, baisse les bras. Il se sent à peine concerné par la présentation de son film au Festival de Venise.

Le film est centré sur le personnage de Colin, qui « possède une fortune suffisante pour vivre convenablement sans travailler pour les autres » ; un ami nommé Chick, qui ne dispose pas de cette chance, puisque, étant ingénieur, il est très pauvre (contrairement aux ouvriers). Le troisième personnage masculin est le cuisinier stylé de Colin, Nicolas.

Ce dernier tombera amoureux d’Isis, une amie de Colin.

Un jour, Chick fait la connaissance d'une fille, Alise, qui est parente de Nicolas. Colin, jaloux, désire lui aussi connaître une fille, et tombe amoureux de Chloé lors d'une fête. Il se marie avec elle et donne une partie de son argent à Chick pour qu’il épouse Alise. Chloé tombe malade : elle a un nénuphar qui pousse dans son poumon. Pour la guérir, Colin lui achète des fleurs et l’envoie à la montagne. Quand elle revient, le nénuphar n’est plus là, mais elle ne peut utiliser maintenant qu'un seul poumon. Colin doit chercher un travail pour acheter des fleurs, quand Chloé tombe de nouveau malade, de l’autre poumon.

Leur maison rapetisse progressivement et devient chaque jour plus triste et obscure, malgré les efforts de leur petite souris grise à moustaches noires pour nettoyer les carreaux et laisser passer les rayons de soleil.

Comme Chick aime plus Jean Sol Partre (anagramme transparent...) qu’Alise, celle-ci tue le philosophe avec un arrache-cœur, nom qui sera le titre du roman que Boris Vian publiera ensuite, et brûle les librairies proches de chez elle, mais elle meurt dans les flammes. Pendant ce temps, la police tue Chick parce qu’il ne paye pas ses impôts.

Lorsque Chloé est emportée par la maladie, Colin est ruiné. Comme il ne peut payer le prix fort, les religieux sont irrespectueux lors de l'enterrement.

Ce film présente des thèmes forts:

L'amour : De nombreuses formes d'amour sont présentes, l'amour fou entre Colin et Chloé, l'amour impossible entre Chick et Alise et l'amour physique entre Nicolas et Isis.

Le monde du travail : l' œuvre dénonce les conditions de travail inhumaines. Chaque personne employée est ramenée au rang d'une machine.

La musique : Le jazz est omniprésent. Il y a de nombreuses références aux musiciens et compositions de jazz.

La religion : Pendant le mariage, l'église est présentée comme avide d'argent. Le curé se réjouit de la mort du chef d'orchestre, comme il n'aura ainsi pas à payer les autres musiciens. L'enterrement est l'opposé du mariage, car Colin n'a alors plus d'argent. On jette le cercueil par la fenêtre, les deux porteurs sont sales, le conducteur chante à tue-tête, le Chuiche, le Bedon et le curé font une courte apparition sans avoir pris la peine de s'habiller correctement, Lapidation|lapident Colin, le cercueil est balancé dans la fosse. Le Christ, dans l'église, s'anime et demande à Colin pourquoi il n'a pas donné plus d'argent pour l'enterrement.

La superficialité : Colin ne se rend pas compte de combien Chick abuse de son amitié en lui demandant souvent de l'argent pour acheter des livres ou des objets de Partre. Vian se moque aussi de la mode, en prenant comme exemple le phénomène « Jean-Sol Partre », et le caractère insolite des acquisitions de Chick.

La maladie : Chloé est le personnage le plus affecté par la maladie, car c'est elle qui la porte. Tous les autres personnages sont aussi affectés, mais plus particulièrement Colin et Nicolas, qui vivent auprès d'elle. Le comportement de Colin change beaucoup. Il y a d'une part, son apparence négligée et d'autre part, sa perte d'envie de vivre malgré son épicurisme. Il y a aussi Nicolas, qui laisse paraître un vieillissement soudain : « Tu as vieilli de dix ans depuis huit jours. — De sept ans, rectifia Nicolas. »

Le temps : La maladie est détectée tout de suite après le mariage et c'est la fin de l'hiver, soit le début du printemps. Encore une fois, la symbolique de l'eau est très présente puisque la neige fond, les plantes renaissent et les maladies germent. De plus, Vian aborde les thèmes de la chaleur et du froid inversement à la pensée commune. La chaleur est associée à la maladie, alors que le froid est considéré comme un remède : « Tu vas prendre froid ! s'écria Alise. Couvre-toi ! — Non, murmura Chloé, il le faut, c'est le traitement. ».

La discrimination : Le cercueil de la femme décédée de Colin, Chloé n'est pas respecté. En effet, celui-ci est jeté par la fenêtre par les personnes de la morgue. La dépouille ou plutôt le cercueil n'est donc en aucun cas respecté, car Colin n'a plus de moyens pour financer un enterrement convenable à sa regrettée épouse puisque celui-ci s'était ruiné pour la guérir avant son décès. Ici Vian veut démontrer la discrimination entre les personnes riches et pauvres car leur mariage fut somptueux du fait qu'il était été payé le prix fort alors que l'enterrement est pathétique du fait que Colin n'ait plus d'argent.

Distribution

• Jacques Perrin : Colin
• Marie-France Pisier : Alise
• Sami Frey : Chick
• Alexandra Stewart : Isis
• Annie Buron : Chloé
• Bernard Fresson : Nicholas
• Claude Piéplu : Le médecin
• Sacha Pitoëff : Le pharmacien
• Ursula Kubler : La religieuse
• Delphine Seyrig : Récitante / Narateur (voix)

Fiche technique

• Réalisation  : Charles Belmont
• Scénaristes : Charles Belmont, Philippe Dumarçay, Pierre Pelegri d'après le roman de Boris Vian
• Producteur : André Michelin
• Musique originale : André Hodeir
• Image : Jean-Jacques Rochut
• Montage : J. Jacques Pauvert
• Durée : 110 min
• Date de sortie: 20 mars 1968 (France)

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Vidéo

Vidéo sur Youtube , Marie-France Pisier et Jacques Perrin, inoubliables

En 1960, le comportement informel et destructeur de Gutai fut repris par de jeunes artistes de Tôkyô. Comme aux États-Unis ou en Europe, ceux-ci se rebellèrent aussi contre l’hégémonie de l’art abstrait. Les journalistes appelèrent cette tendance « hangeijutsu » (« anti-art »).

Neo-Dada Organizers

• Ushio Shinohara
• Masunobu Yoshimura
• Genpei Akasegawa
• Tatsumi Yoshino
• Shûsaku Arakawa
• Tetsumi Kudô
• Shôsaku Kazakura
• Tomio Miki
• Sôroku Toyoshima
• Shintarô Tanaka
• Santarô Tanabe
• Shin Kurihara

Installation tirée du Boxing Art de Ushio Shinohara

High Red Center

En 1963, quelques artistes, influencé par les deux mouvements précédents et par le Fluxus occidental fondent le High Red Center, mouvement indépendant, qui use de la provocation politique et innove dans la pratique de la Performance.

Le High Red Center fait son apparition en 1963 et comprend au départ les trois artistes Jirô Takamatsu, Genpei Akasegawa et Natsuyuki Nakanishi. Il sont rejoints un peu plus tard par Tatsu Izumi.
Le nom du groupe est la traduction anglaise du premier caractère de leur nom de famille : Taka = « high, (haut) » ; Aka = red (rouge) » ; Naka = center (centre).
Genpei Akagesawa participe en parallèle aux activités de Fluxus.

Le point d’exclamation ! est la signature de High Red Center, point que l’on retrouve sur les drapeaux, les tracts et les boîtes de conserve Comme les Neo-Dada Organizers, ces artistes participaient aux Indépendants Yomiuri, patronnés par le journal du même nom. À la fin des années quarante se tenaient des expositions sans jury au Musée de la ville de Tôkyô et celles-ci étaient devenues des lieux ouverts à toutes les formes d’art, des formes les plus artisanales jusqu’aux tendances les plus contemporaines.

On voit, par exemple, à la 14e exposition des Indépendants, en 1962, des œuvres sonores ou des œuvres faisant appel à la participation du public. Jirô Takamatsu fait mettre des gants aux spectateurs, pour faire tirer une corde se trouvant dans une boîte. Natsuyuki Nakanishi accroche des pinces à linge à sa chemise, aux toiles, et demande la participation du public, pour que l’œuvre s’étende à tout le lieu d’exposition (Sentakubasami wa kakuhankôdô o shuchôsuru, « Les pinces à linge se livrent à des mouvements de brassage », 1963).

Genpei Akagesawa expose un billet de 1 000 yen agrandi. Pour son exposition de collages intitulée Aimai no umi ni tsuite (« À propos de l’ambiguïté de la mer »), il envoie dans des enveloppes, que la poste met à disposition pour placer de l’argent liquide, des invitations sous la forme factice de billet de 1 000 yen.

Ce radicalisme, encore jamais, atteint dans la parole répond au mouvement des étudiants de la fin des années soixante et ouvre une brèche qui mit en doute la stabilité sociale, à travers ce qu’elle possédait de plus sacré : l’argent. Cet incident eut donc des effets considérables, au-delà même de la sphère artistique.

Le High Red Center fut un groupe plus organisé que le Neo-Dada Organizers, exprimant leurs idées avec ironie, non dépourvues de subtilité et accompagnées d’une tendance anti-sociale. En même temps, c’est l’espace du musée qui est désacralisé. On assiste à l’émergence des actions de rue et les pulsions destructrices des artistes se propageaient aux autres domaines de création : au cinéma (VAN eiga kagaku kenkyûjo), à la musique (Ongaku) et à la danse (Butô et Ankoku Butô).

Principaux artistes:

• Jirô Takamatsu
• Genpei Akasegawa
• Natsuyuki Nakanishi
• Tomio Miki
• Tatsu Izumi
• Shigeko Kubota
• Mieko Shiomi

Jirô Takamatsu Shadow Painting, 1964

Mono Ha

Enfin, actif de 1968 à 1972, le Mono-Ha, utilise l’objet naturel, non fabriqué donc non imitable, sans faire intervenir la fonction représentative selon les signes de l’homme. Mono-Ha insiste sur la relation au monde et à l’environnement. Les artistes qui y furent associés avaient des préoccupations moins formelles que métaphysiques ; ils insistaient volontiers sur le caractère expérimental de leur travail et allaient jusqu’à remettre en cause le bien-fondé de l’acte de création lui-même.

L’origine du mot est Mono : chose ou objet ; Ha : école ou groupe. Les artistes du groupe lors de leur première exposition en avril 1969 proposent de réapprendre " à voir le monde tel qu’il est, sans en faire l’objet d’un acte de représentation qui l’oppose à l’homme ". Mono Ha utilise l’objet naturel (non fabriqué donc non imitable) sans faire intervenir la fonction représentative selon les signes de l’homme.

La réalité de la chose correspond à celle de la situation, il ne faut pas qu’elles soient dissociées. Mono Ha insiste sur la relation au monde et à l’environnement. L'influence du Mono-ha sur l'art contemporain japonais est presque aussi importante que celle de son prestigieux prédécesseur, Gutaï. Comme d’autres groupes qui lui furent contemporains en Europe et en Amérique, le Mono-ha tente de remettre à plat les données mêmes de l’art et de sa pratique. Les artistes qui y furent associés avaient des préoccupations moins formelles que métaphysiques ; ils insistaient volontiers sur le caractère expérimental de leur travail et allaient jusqu’à remettre en cause le bien-fondé de l’acte de création lui-même.

Si leurs ambitions furent partiellement réalisées, et si certains renouèrent avec des pratiques plus traditionnelles, ils n’en ont pas moins continué à exercer une influence profonde sur les générations ultérieures. Il est difficile à un esprit occidental de comprendre le rapport que les Orientaux entretiennent aux choses : la tentation d’élaborer des parallèles avec des pratiques occidentales qui présentent des similitudes est dès lors irrésistible. Avec toutes les précautions d’usage, on reconnaîtra en effet des liens plus ou moins évidents entre le Mono-ha et l’Art pauvre ou l’Anti Form, qui bouleversèrent, sur des bases différentes, certains canons artistiques.

Principaux artistes:

• Nobuo Sekine
• Kishio Suga
• Jirô Takamatsu
• Koji Enokura
• Shingo Honda
• Susumu Koshimizu
• Lee Ufan (coréen)
• Katsuhiko Narita
• Noboru Takayama
• Katsuro Yoshida

Mère-Terre, 1968, de Nobuo Sekine